jggWebLa Fotografía de Juan García-Gálvez

Una de las ventajas de los objetivos con grandes aperturas de diafragma es que con ellos podemos hacer fotografías en situaciones de poca luz sin aumentar el tiempo de exposición, por lo que podremos prescindir del trípode.

Al utilizar una gran apertura (por ejemplo f1.4) la profundidad de campo se reduce drásticamente y esto no es del todo deseable, sobre todo cuando hacemos paisaje.

Para poder ampliar la profundidad de campo utilizando grandes aperturas podemos utilizar la siguiente técnica:

1. Ajustar la exposición (apertura, velocidad, ISO…).
2. Enfocar el objeto principal, reencuadrar y disparar.
3. Enfocar otra zona más lejana, reencuadrar y disparar.
4. Repetir punto 3 hasta llegar a la distancia hiperfocal.
5. Combinar todas las tomas para obtener una sola imagen.
1. Abrimos todas las fotos como capas en un documento PhotoShop. Para ello, podemos usar la opción Archivo/Secuencias de comandos/Cargar archivos en pila (File/Scripts/Load Files into Stack).
2. Seleccionar todas las capas en la Paleta Capas.
3. Edición/Alinear capas automáticamente.
4. Edición/Fusionar capas automáticamente.

Pongamos un ejemplo: Una fotografía de un paisaje en las siguientes condiciones:

Cámara Canon 5D Mark II
Longitud focal 35mm
Apertura f1.4
Distancia al objeto principal 4 metros.

En esta situación nos encontraríamos con la escena enfocada desde los 3.5m hasta los 4.6m. Una profundidad de campo muy reducida (sólo 1.1m).

La distancia hiperfocal (DH) en este caso la encontramos en los 28.9m.

Por lo que para hacer un paisaje con una profundidad de campo que abarque desde el sujeto principal hasta el infinito podríamos hacer los siguientes disparos:

1.- Enfocando el objeto principal a 4m.
2.- Enfocando una zona más lejana a 6m.
3.- Enfocando una zona más lejana a 11m.
4.- Enfocando una zona a 29m.

En la práctica, podríamos haberlo resuelto con tres capturas: Zona 0, Zona 1/3 y Zona DH.

Haz clic sobre el esquema para ampliarlo.

Con tres tomas realizadas con una apertura de diafragma f2, una velocidad 1/100sg y una ISO 100 hemos podido crear una nueva imagen con una amplia profundidad de campo.

Haz clic sobre la imagen para ampliarla.

La distancia a la que se encuentra el protagonista de la cámara determinará cuantas tomas debemos tomar. Mientras más cerca se encuentre de la cámara, necesitaremos sacar más fotografías. Mientras más lejano se encuentre de la cámara, menos fotos.

Ryan Brenizer es un reconocido fotógrafo neoyorquino especializado en bodas que crea panorámicas a partir de diversas tomas realizadas con teleobjetivos usando aperturas grandes de diafragma para simular el encuadre que se podría captar con un angular o gran angular. De esta manera consigue reducidas profundidades de campo. Sólo el motivo principal está enfocado. El resto de la imagen es puro bokeh.

Así lo lo puedes llevar a cabo:

1. Utiliza teleobjetivo. Por ejemplo, un 85mm f1.2 ó f1.4.
2. Busca un escenario/fondo estático, pues no se desea desenfoque debido al movimiento.
3. Previsualiza el encuadre que tendrá la panorámica final. Los ideales son 1/1, 4/3 y 3/2.
4. Ajustes de la cámara:
1. Modo Manual.
2. Abertura lo más grande posible. Por ejemplo, f1.4.
3. ISO el mínimo que sea posible.
4. Velocidad la que sea necesaria para la correcta exposición.
5. Calidad imagen JPEG.
6. Ajustar Balance de Blancos. No dejarlo en automático.
5. Enfoca el sujeto principal con el Enfoque Automático.
6. Cambia a modo Enfoque Manual.
7. Realizar las fotos. Muchísimas fotos. Para ello, realiza un recorrido por el imaginario encuadre realizando disparos. Hay que asegurarse de que todas las fotos se solapan entre un 20-30% con sus adyacentes. Ryan, hace más de 25 capturas para generar una imagen.
8. Con PhotoShop podemos crear la imagen final con la opción Automatizar/Photomerge, pero también podemos usar software especializado como PTGui.

En este video se explica con gran clariedad el método:

Muchas gracias por el enlace, Pedro.

Más información:

• Video en Facebook de Ryan Brenizer explicando su método.
• Blog de Ryan Brenizer.
• El Método Brenizer explicado por Richard Bui.
• Artículo en Photojojo.
• Teoría y Práctica del Método Brenizer..

Resultado obtenido usando el método Brenizer con 22 fotografías realizadas en las siguientes condiciones:

Haz clic sobre la imagen para ampliarla.

Me encanta la campiña cordobesa en otoño. Seguro que conocéis el motivo.

Haz clic sobre la imagen para ampliarla.

No, no se trata de una fotocomposición. Aquí tenéis la captura del Adobe Camera Raw.

Como podéis ver, el histograma de la captura se encuentra balanceado hacia la derecha, sin salirse por los extremos. Una captura perfecta, desde el punto de vista técnico. Esto es la partitura, ahora hay que aportar nuestra impronta mediante la interpretación, durante el revelado y postprocesado.

Haz clic sobre la captura para ampliarla.

El año pasado, durante un almuerzo en Madrid con José Cristobal Hoyos, Mauro A. Fuentes y José María Mellado surgió el tema: ¿Debemos usar el filtro UV? ¿debemos usarlo siempre? o por el contrario ¿debemos olvidarnos de él?

Muchos fotógrafos no los usan. Prefieren aprovechar al máximo la calidad de sus objetivos.
Otros prefieren proteger siempre sus objetivos con estos filtros.

Los filtros UV (ultravioleta) se han usado tradicionalmente con dos finalidades:

1. No dejar pasar las radiaciones ultravioletas.
2. Como medida de protección contra golpes, suciedad y condiciones climáticas desfavorables.

Las cámaras digitales no necesitan filtros UV para evitar los rayos ultravioletas como pasaba en la fotografía analógica.

Si los usamos, debería ser como medida de protección de la lente frontal en situaciones de alto riesgo como la playa, desierto, viento…

Reconozco que en Islandia le sacamos partido, porque el viento y la lluvia nos obligaba a limpiar las ópticas constantemente, y no es lo mismo limpiar un filtro que un objetivo. El filtro lo secaba y luego le pasaba una de esas toallitas húmedas individuales para limpiar gafas, y a continuar la ruta.

Pero no hay que olvidar que al colocar un filtro estamos añadiendo un elemento extra en la óptica de nuestra cámara y eso puede traducirse en más aberraciones cromáticas, más reflejos parásitos y pérdida de nitidez.

Para ilustrar la pérdida de calidad que puede producir el uso de filtros UV usaremos unas fotos que José Cristobal Hoyos hizo con un Canon UV Haze (Sharp Cut) (no precisamente de los baratos) y sin él.

Haz clic sobre la imagen para ampliarla.

Aquí podemos ver otro ejemplo de pérdida de nitidez:

Haz clic sobre la imagen para ampliarla.

Aunque en la en la fotografía diurna no hemos detectado este tipo problema, parece razonable abstenerse de usar filtros UV para fotografía nocturna.

En la revista Digital Photo Pro de Marzo-Abril 2009, en la página 31, hablan de los filtros Heliopan SH-PMC (ver hpmarketingcorp.com) asegurando que eliminan el 99.9% de los reflejos de luz. No tengo ni idea cuanto hay de promoción y de verdad en la afirmación, pues no los he probado.

La pregunta es… si invertimos importantes sumas en la compra de objetivos de gran calidad ¿es razonable poner en juego el rendimiento de las ópticas agregando elementos extra de inferior calidad? (esto podríamos aplicarlo al resto de los filtros: colores, degradados, densidad neutra…).

Mauro publicó en enero un artículo titulado ¿Hay que usar siempre un filtro UV? en el que también se hace eco de los problemas asociados al uso de estos filtros.

Tengo amigos que prefieren sacar fotos al atardecer y los entiendo. Para poder aprovechar los escasos minutos mágicos que nos regala el día cada mañana hay que levantarse muy temprano (sobre todo desde mayo a septiembre). Yo veo recompensado ese esfuerzo cuando veo como acarician los primeros rayos a las nubes, la tierra y el mar.

Aunque la orientación geográfica de nuestro escenario puede determinar si lo ideal es hacer un atardecer o un amanecer, siempre he pensado que para conocer bien un destino fotográfico hay que celebrar, por lo menos, una sesión al despuntar el día y otra al anochecer. La luz del alba es diferente a la del crepúsculo. No es mejor una que otra, sólo distintas.

Esta fotografía fue captada una mañana de CdG V.

Haz clic sobre la imagen para ampliarla.

El pasado fin de semana visitamos las dos exposiciones fotográficas que José María Mellado tiene actualmente en la capital andaluza.

En la céntrica galería de arte contemporáneo Full Art disfrutamos de una selecta muestra de fotografías realizadas en Islandia: Paisaje en Gris, Redes, Camino Mojado y Montaña…

En diciembre del año pasado visitamos la exposición Landscape: The Eternal Return en el Centro Municipal de las Artes de Alcorcón (Madrid). Nos encantó. Veinticinco obras reproducidas a gran formato (1.5×2m y 1.5×3m) sobre papel fotográfico baritado, realizadas en Colombia, Cuba, España, Islandia y Perú.

El pasado sábado comprobamos lo importante que es el escenario y la iluminación de una exposición.

Las mismas obras presentadas en Madrid fueron elevadas al Olimpo al exponerlas al público en la capital bética.

José María no podía haber elegido mejor lugar para mostrar su obra: El Espacio Iniciarte (antigua Iglesia de Santa Lucía -siglo XIV-). El silencio y la penumbra que se respira en el interior de la iglesia gótico-mudéjar aporta al visitante el escenario más idóneo para contemplar su fotografía.

Por otra parte, el acertado sistema de focos rectangulares que ilumina con exactitud sólo la mancha de imagen de cada una de las obras proporciona la sensación de retroiluminación.

Hasta el 14 de junio 2009 se podrá visitar.
Horario: 10h-14h y 19h-22h (Lunes cerrado).

No os la perdáis.